Arte Alemã: 1930-45

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O Terceiro Reich, 1933–45

Quando Hitler finalmente se tornou chanceler, em 30 de janeiro de 1933, não foi na crista de uma onda de apoio popular, mas como resultado de intriga política de bastidores de Schleicher, Papen e do filho do presidente, Oskar von Hindenburg. Eles acreditavam que apenas Hitler poderia reunir uma coalizão com o DNVP de Hugenberg e possivelmente o Partido do Centro, que poderia comandar a maioria no Reichstag. Eles asseguraram ao relutante presidente que as tendências radicais de Hitler seriam controladas pelo fato de que Papen ocuparia a vice-chancelaria e que outros conservadores controlariam os ministérios cruciais, como os da guerra, relações exteriores e economia. Os próprios nazistas se limitaram a exercer a chancelaria e o insignificante ministério federal do interior. Em compensação aos nazistas, Hermann Göring recebeu status de ministro, mas ainda não recebeu pasta. Significativamente, ele se tornou ministro do Interior no estado da Prússia, o que lhe deu controle sobre a maior força policial da Alemanha.

Os nazistas professavam uma ideologia, o nacional-socialismo, que pretendia defender o homem comum, que eles retratavam como uma vítima em um mundo controlado por judeus. O anti-semitismo e as noções de superioridade racial alemã estavam no cerne dessa ideologia, que, em seus detalhes, também era um catálogo de ressentimentos que se acumularam na sociedade alemã desde novembro de 1918. No topo da lista estavam as humilhações associadas a Versalhes, mas não muito atrás estavam os ressentimentos com as grandes empresas, grandes bancos, grandes lojas de departamentos e grandes trabalhadores, bem como ressentimentos com as divisões e ineficiências que os partidos políticos pareciam fomentar.

Nem o programa do partido de 25 pontos de 1920, nem o manifesto político autobiográfico de Hitler, Mein Kampf ("My Struggle", 1925), continha concepções claras da forma que a política e a sociedade alemãs tomariam sob os nazistas, mas Hitler e seus propagandistas haviam comunicado claramente que as mudanças seriam fundamentais e viriam às custas dos inimigos raciais da Alemanha. Alemães racialmente superiores deveriam ser reunidos em um Volksgemeinschaft, ou comunidade racial, na qual as divisões de partido e classe seriam transcendidas em um espírito de harmonia racial, uma harmonia que necessariamente excluiria as pessoas de sangue inferior. Esse objetivo logicamente exigia uma solução para o que os nazistas chamaram de "o problema judeu". No mínimo, exigia uma reversão da tendência, de mais de um século, de assimilação judaica à suposta nação alemã superior e à vida cultural e econômica alemã. Quanto à posição da Alemanha nos assuntos internacionais, Hitler havia muito falado da necessidade da Alemanha de espaço adicional para morar ( Lebensraum) no leste. Em primeiro lugar, porém, havia a necessidade contínua de quebrar as correntes do odiado Tratado de Versalhes.

Se os nazistas teriam uma chance de implementar seus objetivos ideológicos dependia, quando Hitler se tornasse chanceler, de se eles seriam capazes de apertar seu controle inicialmente tênue nas rédeas do poder. Liberais, socialistas e comunistas permaneceram ferrenhamente contrários a importantes segmentos empresariais de Hitler, o exército e as igrejas suspeitavam, em vários graus, das medidas que ele poderia tomar. Foi uma combinação, finalmente, da ousadia e brutalidade de Hitler, das fraquezas de seus oponentes e de numerosos exemplos de extraordinária boa sorte que lhe permitiram estabelecer sua ditadura totalitária. Quando o Partido do Centro se recusou a se juntar à coalizão Nazista-DNVP em janeiro de 1933, Hitler exigiu eleições para um novo Reichstag. As eleições de 5 de março de 1933 foram precedidas por uma campanha brutal e violenta na qual as tropas de choque nazistas sob o comando de Ernst Röhm figuraram com destaque. Hitler também conseguiu tirar vantagem do incêndio do Reichstag (provavelmente obra de um comunista holandês solitário e perturbado) de 27 de fevereiro para suspender as liberdades civis e prender os comunistas e outros líderes da oposição. Apesar dessa campanha de terror, os nazistas não conquistaram a maioria, ganhando apenas 43,9% do total. Os 8% adquiridos pelo DNVP, porém, foram suficientes para os dois partidos obterem a maioria no Reichstag. Em sua primeira reunião em 23 de março, o novo Reichstag - sob grande pressão das SA e da SS (Schutzstaffel "Protective Echelon"), o corpo de elite dos nazistas liderado por Heinrich Himmler - votou a favor do Ato de Capacitação que permitiu a Hitler ignorar a constituição e dar aos seus decretos o poder de lei. Dessa forma, os nazistas estabeleceram o regime que chamaram de Terceiro Reich, o suposto sucessor do Sacro Império Romano (o Primeiro Reich) e do Império Alemão governado pelos Hohenzollerns de 1871 a 1918 (o Segundo Reich).

Os poderes do decreto foram a base pseudolegal a partir da qual Hitler deu os primeiros passos da revolução nazista. Duas semanas depois da aprovação da Lei de Habilitação, governadores nazistas foram enviados para colocar os estados federais em linha e, alguns meses depois, os próprios estados foram abolidos. Em 7 de abril de 1933, os nazistas começaram a expurgar o serviço público, junto com as universidades, de comunistas, socialistas, democratas e judeus. Em 2 de maio, os sindicatos foram dissolvidos e substituídos pelo que os nazistas chamaram de Frente Trabalhista. Nesse ínterim, Göring havia começado a remodelar o braço político da polícia prussiana em uma polícia política secreta, a Gestapo (Geheime Staatspolizei), para servir à causa nazista, um processo que estava sendo duplicado por Himmler com a polícia bávara.

A brutalidade com que Hitler enfrentou qualquer suposto desafio à sua autoridade tornou-se dramaticamente evidente quando, em 30 de junho de 1934, ele ordenou os assassinatos da liderança das SA. Os bandidos de rua da tropa de choque de Röhm forneceram músculos úteis durante os longos anos de luta do partido, mas sua tendência contínua para a indisciplina, Hitler temia, poderia convidar a intervenção do exército e, com isso, sua própria derrubada. Para evitar essa possibilidade, Hitler contratou o leal Himmler, que usou sua SS durante a chamada "Noite das Facas Longas" para expurgar a SA de dezenas de seus principais líderes, incluindo Röhm, amigo de longa data de Hitler. O penúltimo passo na tomada do poder por Hitler veio em 2 de agosto de 1934, quando, após a morte do presidente Hindenburg, ele se apropriou dos poderes da presidência e os combinou com os seus próprios como chanceler. A etapa final veio em fevereiro de 1938, quando Hitler assumiu o comando pessoal dos três ramos das forças armadas alemãs.


Arte nazista (c.1925-45)


Cartaz litográfico de 1940 para o nazista
filme de propaganda & quotO Judeu Eterno & quot.
O filme pretendia retratar o
Judeus como agressores perigosos que
teve que ser exterminado. Ele argumentou que
matar judeus não é um crime, mas um
necessidade, semelhante a matar ratos para
preservar a saúde e a limpeza.


Uma ilustração no livro infantil
chamado O Cogumelo Venenoso.
Cheio de propaganda anti-semita,
o livro foi publicado pela
Julius Streicher, infame isca de judeus
em 1938, com ilustrações de Philipp
Rupprecht. O texto é de Ernst Hiemer
e lê: & quotAssim como é difícil dizer
um cogumelo venenoso de um cogumelo comestível,
muitas vezes é difícil reconhecer o judeu
como um vigarista e criminoso. & quot

O termo "arte nazista" é comumente usado para descrever vários tipos de arte, criados na Alemanha ou nos territórios ocupados alemães durante o período aproximado de 1925-45, que receberam a aprovação das autoridades nazistas. Arquitetura, filmes, fotografia e pôster, junto com escultura, foram particularmente favorecidos por Hitler e seu Ministro da Cultura e Propaganda Joseph Goebbels - em grande parte por causa de seu valor propagandista. Entre os principais artistas nazistas estavam o arquiteto Albert Speer (1905-81), o cineasta Leni Riefenstahl (1902-2003), o escultor Arno Breker (1900 e # 1501991) e o artista de pôsteres Hans Schweitzer (mais conhecido como Mjolnir) (1901-80), todos os quais sobreviveram à guerra e viveram até uma idade avançada - ao contrário dos 11 milhões de vítimas do Holocausto, cujo destino foi moldado pela arte propagandista nazista dos anos 1930 e início dos anos 40. A arte aprovada pelos nazistas é classificada como uma das três categorias principais da arte do Holocausto: as outras sendo obras criadas por presos ou testemunhas do campo e memoriais do pós-guerra.

Nota: a palavra & quotNazi & quot vem das duas primeiras sílabas da pronúncia alemã da palavra & quotnational & quot. Refere-se a membros do Partido Nacional Socialista dos Trabalhadores Alemães, NSDAP (National Sozialistische Deutsche Arbeiterpartei).

Características da arte nazista

Em uma frase, o modelo básico da arte nazista era o da arte clássica grega e romana, uma linguagem heróica e romântica que (Hitler pensava) personificava perfeitamente o ideal racial ariano. O principal objetivo da arte nazista era promover a ideologia nazista e defender a luta nacional-socialista. Por exemplo, durante os anos 30, o objetivo principal de Hitler era criar a ilusão de um Estado alemão todo poderoso - o chamado "Reich de Mil Anos" - a fim de intimidar seus cidadãos e impressionar seus vizinhos europeus. A arquitetura nazista foi especialmente valiosa para ajudar a transmitir a impressão de poder e permanência. Essas qualidades foram realizadas através do uso de estruturas gigantescas construídas no estilo da arquitetura neoclássica, como os edifícios triunfalistas romanos da antiguidade. Exemplos notórios da arquitetura nazista incluem: o estádio Zeppelinfeld usado para sediar os comícios de Nuremberg, o Estádio Olímpico de Berlim, o Pavilhão Alemão para a Feira Internacional de 1937 em Paris e a Nova Chancelaria do Reich na Wilhelmstrasse. Novas técnicas incluíram o uso de dezenas de holofotes brilhando verticalmente para cima a fim de criar a impressionante "catedral de luz" de Speer.

Os pôsteres eram outra forma de arte importante e uma característica instrumental da propaganda de rua nazista. Eles foram cuidadosamente projetados para influenciar a opinião pública por meio do uso de imagens e motivos estereotipados, como o judeu de nariz adunco e a vigorosa loira Ariana. Foram utilizados (inter alia) para denegrir os judeus, promover filmes e exibições anti-semitas, recrutar voluntários SS, assustar a população com a ameaça bolchevique e mobilizá-la para a guerra total. Ironicamente, em suas cores, motivos e iconografia geral, os pôsteres nazistas são surpreendentemente semelhantes ao estilo soviético do realismo socialista - de fato, o nome & realismo quotérico & quot é freqüentemente usado para descrever ambos.

A escultura foi outro tipo importante de arte pública explorada pelos nazistas. Foi usado principalmente em um contexto arquitetônico - como a enorme águia colocada no topo do Pavilhão Alemão em Paris (1937), que olhava para o pavilhão soviético menor em frente. Outros exemplos incluem & quotO Partido & quot e & quotO Exército & quot - duas estátuas de Arno Breker (que substituiu Josef Thorak como o principal escultor nazista) que foram colocadas na entrada da Nova Chancelaria do Reich de Speer em Berlim.

A pintura era muito menos importante no Terceiro Reich, embora o gênero fosse um dos principais alvos da campanha de Hitler contra a chamada arte degenerada (entartete kunst), supervisionado por seu pintor favorito Adolf Ziegler (1892-1959). A mensagem básica era: a & quotarte moderna & quot não tinha lugar na Alemanha nazista. Apenas pinturas tradicionais - defendendo os valores da pureza racial, Heimat (amor à pátria) e outros valores & quotvolk-ish & quot - foram considerados aceitáveis. O estilo aprovado era semelhante ao da arte acadêmica convencional - que é a pintura realista romântica baseada em modelos clássicos. A principal razão por trás disso foi a crença de Hitler de que - embora moderno a arte foi completamente corrompida pela influência judaica - as formas grega e romana não foram contaminadas. A partir de 1933, funcionários da Câmara de Cultura do Reich começaram metodicamente a proibir a maioria dos artistas modernos de exibir - até mesmo praticar - sua arte. A campanha culminou em julho de 1937, em uma grande exposição de cerca de 700 obras & quotdegeneradas & quot no Hofgartenarkaden em Munique. Entre os pintores cujas obras foram proibidas dessa forma estavam: Edvard Munch (1863-1944) um pioneiro do expressionismo Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) líder do Die Brucke Wassily Kandinsky (1866-1944) líder do Der Blaue Reiter, o judeu-russo pintores Marc Chagall (1887-1985) e Chaim Soutine (1893-1943) os alemães Otto Dix (1891-1969) e George Grosz (1893-1959), membros do Die Neue Sachlichkeit o austríaco Oskar Kokoschka (1886-1980) também como Pablo Picasso (1881-1973) e Modigliani (1884-1920). Para outras vítimas da máquina cultural nazista, veja também Herwarth Walden, fundador da Sturm Gallery e revista em Berlim.

Indiscutivelmente, a forma mais insidiosa de arte nazista era a ilustração em certos livros infantis, como o livro anti-semita, & quotThe Poisonous Mushroom & quot (Der Giftpilz) (1938). Outros gráficos notórios incluíam a vil caricatura criada para o jornal de Julius Streicher Der Sturmer, de cartunistas como Philipp Rupprecht (1900-75), alguns dos quais se mostraram muito rudes até para Goebbels.

Mas a forma mais potente de arte nazista era o cinema. O supremo da cultura do Terceiro Reich, Joseph Goebbels, manteve relações estreitas com vários diretores de cinema a fim de criar longas-metragens e cinejornais altamente eficazes. Filmes notórios incluem & quotO Judeu Eterno & quot (Der ewige Jude), que justapôs cenas de ratos unidos a multidões de judeus. Menos grosseiros, mas mais manipuladores, foram os filmes de propaganda feitos por Leni Riefenstahl (1902-2003), nomeadamente: & quotThe Victory of Faith & quot (Der Sieg des Glaubens), um filme do Comício do Partido de Nuremberg em 1933 & quotTriumph of the Will & quot (Triumph des Willens) um filme sobre o Rally de Nuremberg em 1934 e & quotOlympia & quot, um documentário de propaganda nas Olimpíadas de 1936. A fotografia documental também foi usada (ou, mais precisamente, mal usada) para promover a ideologia nazista. Além de fotógrafos da corte como Heinrich Hoffmann (1885-1957), outros cinegrafistas foram empregados em uma variedade de projetos de propaganda, como fotografar judeus deformados ou deficientes, a fim de transmitir a impressão de que representavam a norma para sua raça .

Autoridades culturais alemãs

Em setembro de 1933, poucos meses após a nomeação de Hitler como Chanceler do Reich, uma nova Câmara de Cultura do Reich (Reichskulturkammer) foi estabelecido sob Joseph Goebbels, o novo Ministro da Iluminação Pública e Propaganda. Subdepartamentos separados foram estabelecidos para regulamentar a imprensa, publicação de livros, cinema, teatro, música e artes visuais. A função do Reichskulturkammer foi encorajar e acelerar a arianização da cultura alemã e proibir formas de arte "inspiradas nos judeus" sem sentido, como o expressionismo (no qual a Alemanha liderou o mundo), o surrealismo e o cubismo (dois estilos fortemente associados a Paris), jazz e blues (principalmente Americano). Na verdade, quase toda arte de vanguarda foi imediatamente vista como manchada pelo judaísmo e proibida.

A fim de exercer controle sobre as artes visuais e garantir que os artistas cumprissem as novas diretrizes nazistas, apenas os artistas que eram membros da Câmara de Cultura do Reich tinham permissão para praticar sua arte. Enquanto isso, a campanha nazista contra a arte degenerada estava ocupada confiscando cerca de 16.000 obras dos melhores museus e galerias de arte da Alemanha.

Com a eclosão da guerra em setembro de 1939, muitos artistas se tornaram responsáveis ​​pelo recrutamento para as forças armadas da Alemanha (Wehrmacht). Em 1943-4, para proteger indivíduos valiosos da mobilização militar, Goebbels elaborou uma lista de 36 páginas de artistas isentos, comumente referida como a & quot Lista dos dotados de Deus & quot (Gottbegnadeten Lista). Incluiu um total de 1.041 artistas (artistas, arquitetos, cineastas, maestros, cantores e escritores) dos quais 24 foram considerados indispensáveis. Entre os profissionais criativos mais valorizados, estavam os seguintes:

Arquiteto favorito de Hitler, mais tarde Ministro dos Armamentos, o talentoso Albert Speer substituiu Paul Ludwig Troost (1878-1934) (conhecido por seu projeto do Fuhrerbau e a Haus der Kunst em Munique) como o principal arquiteto nazista. Um campeão do classicismo na arte, a primeira grande comissão de Speer foi a Zeppelinfeld estádio em Nuremberg - uma estrutura maciça inspirada no Altar Pergamon, com capacidade para acomodar 340.000 pessoas, que ele melhorou dramaticamente à noite, cercando-o com 130 holofotes antiaéreos (catedral da luz). Outras encomendas importantes incluíram a Nova Chancelaria do Reich, com sua Galeria de Mármore de 146 metros de comprimento. Nomeado Inspetor Geral de Edifícios para Berlim, Speer produziu planos e modelos para substanciar as fantasias arquitetônicas de Hitler no pós-guerra, antes de empreender tarefas militares mais mundanas de construir fortificações de concreto e outras estruturas militares. Veja também Arquitetura do Século 20 na Europa e América.

Leni Riefenstahl (1902-2003)

Inspirada para se tornar uma atriz depois de ver um pôster do filme de 1924 & quotThe Mountain of Destiny & quot (Der Berg des Schicksals), Riefenstahl estrelou cinco filmes antes de descobrir sua verdadeira vocação, em 1932, como diretora de cinema. Hipnotizada por Hitler, que se tornou um amigo pessoal, sua maior contribuição para a arte nazista foram seus três filmes de propaganda exaltando Hitler, o Partido Nazista e os ideais gêmeos da força ariana e da beleza nórdica. Os filmes foram & quotThe Victory of Faith & quot, traçando o perfil do Party Rally de 1933 & quotTriumph of the Will & quot sobre o Party Rally em 1934 e & quotOlympia & quot, revisando as conquistas esportivas alemãs nos Jogos Olímpicos de Berlim de 1936. Em fevereiro de 1937, durante uma turnê promocional nos Estados Unidos, Riefenstahl disse a um repórter do Detroit News: "Para mim, Hitler é o maior homem que já existiu." de Leni Riefenstahl & quot, ela negou qualquer sugestão de que criou deliberadamente a propaganda nazista.

Hans Schweitzer (Mjolnir) (1901-80)

Schweitzer, mais conhecido como Mjolnir ("martelo de Thor") foi um artista notório que criou vários pôsteres para o Partido Nazista sob Adolf Hitler. Sua gama de artes gráficas incluía caricaturas de inimigos nazistas, principalmente judeus e comunistas. Exemplos famosos de seu trabalho incluem: o pôster de 1940 promovendo o filme anti-semita, "O Judeu Eterno" e o pôster pós-Stalingrado de 1943 sobre o tema "Vitória ou Bolchevismo". Ele foi nomeado Comissário do Reich para Design Artístico e Presidente do Comitê de Ilustradores de Imprensa do Reich. Após a guerra, ele foi multado em 500 marcos alemães por suas atividades nazistas.

O escultor favorito de Hitler, Arno Breker trabalhou para os nazistas durante o período de 1933 a 1942, tornando-se escultor oficial do estado em 1937. Hitler achava que a estátua de Breker "O Exército" era a mais bela obra de arte plástica já feita na Alemanha. Um mestre da escultura de bronze e também da escultura de pedra, seus outros principais trabalhos nazistas incluem: & quotO Partido & quot, uma personificação figurativa do poder ariano & quotZehnkampfer& quot, um decatleta olímpico & quotDie Siegerin& quot, uma atleta feminina vencedora, bem como & quotThe Guard & quot, & quotThe Warrior & quot e & quotPreparedness & quot. Embora conhecido por um estilo de escultura neoclássica, certas características de seu trabalho são mais reminiscentes da arte maneirista do século XVI. Surpreendentemente, depois da guerra, Joseph Stalin lhe ofereceu um emprego, mas ele recusou. Em 1948, ele foi oficialmente classificado como "companheiro de viagem" nazista e multado.

Adolf Ziegler (1892-1959)

Membro pioneiro do Partido Nazista no início dos anos 1920, Adolf Ziegler conheceu Hitler em 1925 e mais tarde foi contratado para pintar um retrato comemorativo da sobrinha de Hitler, Geli Raubal, que havia cometido suicídio. Ele foi nomeado professor da Academia de Munique em 1933, antes de ser nomeado chefe da campanha nazista contra a arte degenerada (1933-7). Em 1935, foi nomeado senador de Belas Artes da Câmara de Cultura do Reich e, em 1936, presidente da Câmara de Arte. Em 1937, ele se tornou o pintor favorito de Hitler, e várias de suas obras - como & quotthe Judgment of Paris & quot e & quotThe Four Elements & quot - foram adquiridas pelo Fuhrer para suas residências em Munique. Um ex-admirador do expressionismo alemão (condenado com autoridade por Hitler em 1934), Ziegler era conhecido por seus nus femininos sem barreiras representando a figura ariana supostamente ideal, bem como uma quantidade de pinturas de gênero e obras alegóricas. Durante a guerra, Ziegler foi encarcerado no campo de concentração de Dachau por seis semanas após expressar publicamente opiniões derrotistas.

Outras figuras importantes no campo da arquitetura, escultura e pintura, favorecidas pelos nazistas, incluem:

Reichskultursenator Leonhard Gall (1884 & # 1501952)
Reichskultursenator Hermann Giesler (1898 & # 1501987)
Clemens Klotz (1886 e # 1501969)
Wilhelm Kreis (1873 & # 1501955)
Ernst Neufert (1900 & # 1501986)
Bruno Paul (1874 & # 1501968)
Paul Schultze-Naumburg (1869 & # 1501949)

Fritz Klimsch (1870 e # 1501960)
Georg Kolbe (1877 & # 1501947)
Josef Thorak (1889 e # 1501952)
Kurt Edzard (1890 e # 1501972)
Fritz von Graevenitz (1892 & # 1501959)
Richard Scheibe (1879 & # 1501964)
Joseph Wackerle (1880 e # 1501959)

Claus Bergen (1885 & # 1501964)
Ludwig Dettmann (1865 & # 1501944)
Hermann Gradl (1883 & # 1501964)
Arthur Kampf (1864 e # 1501950)
Willy Kriegel (1901 & # 1501966)
Fritz Mackensen (1866 e # 1501953)
Alfred Mahlau (1894 & # 1501967)
Werner Peiner (1897 e # 1501984)
Philipp Rupprecht (1900-75)
Franz Stassen (1869 e # 1501949)

& # 149 Biedermeier Art
Estilo de pintura sentimental e realista - um idioma germânico do século 19, cujos elementos são uma reminiscência de alguma arte nazista (sem a política).

& # 149 Secessão de Berlim (1898)
Um dos últimos movimentos artísticos da arte alemã do século XIX.

& # 149 Deutscher Werkbund (1907-33)
A Liga do Trabalho Alemã ou Federação Alemã do Trabalho fundada por Hermann Muthesius (1861-1927), para melhorar o design dos produtos alemães.

& # 149 Museu de Arte Judaica de Jerusalém
Contém a coleção mais abrangente do mundo de arte, artesanato e artefatos religiosos asquenazes, sefarditas e judaicas orientais.

& # 149 Linha do tempo da história da arte
Cronologia e datas importantes na evolução das artes e ofícios.


Odditiques de Gin-For

Esta página está passando por uma revisão massiva. As atualizações devem ocorrer várias vezes ao dia até que sejam concluídas. Desculpe pelas deficiências enquanto isso, mas acho que você vai achar que vale a pena.

Dicas e truques para identificar e datar a cerâmica da Alemanha Oriental e Ocidental.

A era da cerâmica oriental e ocidental foi diferente de tudo o que se viu antes ou depois, passando das explosões literais da Segunda Guerra Mundial para a explosão de criatividade que compensou décadas de repressão artística e respondeu à raiva e ao desespero com cores e caprichos. Os políticos podem tentar nos separar, mas os artistas nos unem e nos mantêm unidos. A estética cura quase tão bem quanto o ronronar de um gato. Nunca deixe os políticos tirarem isso.

No Odditiques da Gin-For, nos especializamos em cerâmica acima da média, mais difícil de encontrar da Alemanha Oriental e Ocidental de empresas como Bay Keramik, Carstens, Ceramano, Dümler & Breiden, ES Keramik, Fohr, Gramann Römhild, Marzi & Remy, Otto Keramik, Ruscha, Scheurich, Silberdistel, Ü-Keramik e muitos outros. Também tentamos ter uma ideia do que estamos falando. Podemos distinguir Carstens de Scheurich, e conhecemos um falcão de um serrote, não importa para onde o vento esteja soprando.

Lembre-se de que existem poucos absolutos nas cerâmicas alemãs E. e W., e é por isso que essas são apenas dicas e truques. Exatamente como as empresas marcavam os itens, que argila usavam, estilo de letras, sistemas de numeração, tudo variava às vezes. Esta é apenas uma pequena amostra das empresas e apenas algumas das bases que utilizaram. A variedade completa é impressionante.


1920–1929

Os estrondosos anos 20 foram um marco para o Museu, por dentro e por fora. Em 1920 foi contratado o primeiro fotógrafo da equipe e, em 1922, foi anunciada a criação de uma sala especial para exposição e armazenamento de gravuras. No ano seguinte, o Departamento de Impressão foi iniciado sob Arthur Edwin Bye, curador de pinturas. 1922 também viu a instalação do Tower Hill Room de Londres, comprado com fundos contribuídos pelo Sr. e Sra. John D. McIlhenny.

A construção do novo edifício estava a progredir e, em 1923, estava terminada a construção do socalco da colina de granito onde se encontraria o Museu. As fundações do edifício, bem como os largos, agora icônicos degraus que conduzem a ele do nível da rua, foram lançados. Foi também neste ano que o Museu começou a nomear curadores profissionais específicos (em oposição a voluntários) para as suas diferentes áreas de estudo e colecção.

Em 1925, a alvenaria externa dos dois pavilhões externos do Museu foi concluída, deixando um vazio dramático entre as duas estruturas. Essas alas foram construídas propositalmente primeiro para garantir um fluxo contínuo de fundos da cidade para completar a estrutura central de conexão. No entanto, mesmo com a estrutura do edifício ainda não concluída, galerias temporárias foram abertas na programação imposta pelos testamentos de William L. Elkins e seu filho, George W. Elkins, bem como de John H. McFadden. Suas magníficas coleções de pinturas foram legadas ao Museu com a condição de que galerias adequadas no prédio projetado fossem preparadas dentro de um período de tempo razoável após sua morte.

Foi em outubro de 1925 que o ilustre historiador de arte e arquitetura Fiske Kimball foi nomeado Diretor do Museu, substituindo o Diretor Interino Samuel W. Woodhouse (que assumiu em 1923 quando o Diretor Langdon Warner deixou o Museu para assumir um cargo em Harvard) . Ao se dedicar ao futuro desenvolvimento arquitetônico do interior do edifício, bem como à aquisição de objetos dignos do novo Museu e da cidade, Kimball deu o tom para uma nova era.

Ele acreditava que um museu deveria "expressar a cultura artística mundial em todos os meios, mesclando arquitetura, pintura, escultura e artes decorativas". Nesta função, ele imaginou uma "caminhada no tempo" para o novo edifício, onde as obras de arte seriam instaladas juntas em galerias dramáticas realçadas com elementos arquitetônicos de época e interiores históricos. Embora "salas de época" existissem antes, tanto no Museu quanto em outros lugares, a visão abrangente de Kimball e a atenção meticulosa à autenticidade eram, em muitos aspectos, lendárias. Sua abordagem integrada e contextual impulsionou o plano de instalação e continua a ser uma característica distintiva da instituição hoje.

Em fevereiro de 1926, logo após a morte de um dos primeiros apoiadores do Museu (e entre seus benfeitores mais constantes e generosos), A Exposição Memorial John D. McIlhenny foi aberto ao público. Essas coleções de pinturas, móveis e um grupo extraordinário de tapetes orientais entrariam na coleção permanente do Museu após a morte da Sra. McIlhenny no início dos anos 1940. Enquanto isso, o pórtico leste tomava forma dentro de andaimes e sob a lança de um guindaste movido a vapor.

Em julho de 1926, a restauração de Mount Pleasant foi concluída e a casa histórica foi aberta ao público, decorada com suntuosos móveis de mogno do século XVIII, porcelana, vidro, prata e elegantes reproduções têxteis. A inauguração foi comemorada com uma exposição intitulada Arte americana na véspera da revolução. Um manual, intitulado Mount Pleasant, foi publicado e vendido no Museu e em casa por 25 centavos. Cedar Grove, a segunda casa histórica do Fairmount Park administrada pelo Museu, foi aberta ao público como um "museu filial da arte e arquitetura colonial" um ano e meio depois.

Com uma imensa quantidade de obras internas restantes, mas com sua ala externa e norte composta por vinte galerias do segundo andar dedicadas à arte inglesa e americana completas, o novo Museum on Fairmount foi aberto ao público em 26 de março de 1928. Uma exposição inaugural incluída galerias dedicadas às artes da Itália, Holanda, França, Inglaterra e América, apresentando "não apenas pinturas, mas obras de escultura, móveis, tapeçaria, ouro e ourivesaria e outros ofícios..." Galerias temporárias de arte medieval também foram abertas, embora a ala sul, onde seriam hospedadas, ainda não tivesse sido concluída.

Em ambos os lados dessas galerias foram instaladas salas de período geograficamente correspondentes, trazendo "para a Filadélfia o ar e o espírito de um tempo há muito passado ... a atmosfera de outra era". Entre essas salas estavam uma cozinha colonial alemã da Pensilvânia e um quarto de Millbach Township, Pensilvânia, a sala de estar da casa de Samuel Powel, prefeito da Filadélfia durante a Revolução, uma sala neoclássica de Salem, Massachusetts, quartos de uma das casas mais grandiosas de Inglaterra do século 18, Sutton Scarsdale Hall uma sala de Wrightington Hall e uma sala da Treaty House em Upminster, Inglaterra.

A chegada da coleção Charles M. Lea de cerca de 5.000 gravuras e desenhos do Velho Mestre, incluindo belos exemplos de gravuras alemãs, italianas, holandesas e francesas, aprimorou muito o departamento de gravuras no final do ano, tanto que mensalmente exposições de objetos selecionados desta coleção crescente começaram em fevereiro de 1929 na Sala de Impressão (ainda localizada no Memorial Hall).

Também no inverno de 1929, o Museu realizou uma série de seis eventos concertos por meio de um presente da Sra. Mary Louise Curtis Bok. Esses concertos foram apresentados pelo Departamento de Música de Câmara do Curtis Institute of Music e tiveram um sucesso fantástico. Mais de 30.000 pessoas compareceram à primeira temporada, e a parceria entre o Instituto Curtis e o Museu continua até hoje. Promovendo o compromisso do Museu com o público, Fiske Kimball fundou oficialmente a Divisão de Educação também neste ano.

O entusiasmo da Filadélfia por seu novo Museu, cujo nome agora foi abreviado de Museu e Escola de Arte Industrial da Pensilvânia para Museu de Arte da Pensilvânia, ficou imediatamente aparente. Em maio de 1929, um recorde de público de um milhão de visitantes foi proclamado em seu primeiro ano. Neste ponto, o Museu estava operando a partir de dois edifícios - o novo edifício em Fairmount abrigava a maioria dos acervos do Museu de arte europeia e americana, enquanto suas coleções orientais estampam e desenhos e estudam coleções de cerâmica, vidro, trabalho em metal e têxteis ainda estavam em exibição no Memorial Hall.

In 1929, the commitment to acquire the collection of French art connoisseur Edmond Foulc--some 200 objects including impressive Gothic and Renaissance sculpture, furniture, and the magnificent marble and alabaster choir screen from the Chapel of the Chateau at Pagny--signified the largest single purchase ever undertaken by a Museum. Coming as it did just before the stock market crash and secured by an interest-free bank loan, the purchase, worth more than one million dollars, was one that may not have been made in the leaner days of the following decade. It was also in 1929 that the museum accepted responsibility for the management and care of the new Rodin Museum and two historic houses in Fairmount Park: Cedar Grove and Mount Pleasant.


The 69th Street Branch Museum

On Friday, May 8, 1931, the Museum embarked upon an innovative, if short-lived, experiment in reaching new audiences by opening a branch site at the 69th Street Community Center. Located just outside the city limits in Delaware County with Philip N. Youtz as Curator, the Branch Museum mounted 17 exhibitions during its operation—ranging from Chinese art to 19th-century American painting. It attracted 212,483 visitors in its first year, but despite its popularity and generous funding from the Carnegie Foundation and private donor John H. McClatchy, financial difficulties forced it to close permanently on October 17, 1933.


German Art: 1930-45 - History

Some ABG Doll Marks Identified

AB, ABG, A.B.G., A.B. & G., ALBEGO (used between 1930-1940), Deponiert, DRGM ABG, Germany, Germany No DEP, Germany # , Germany 6, JJO or JIO 1919, 1920 (for Jeanne I. Orsini), Made in Germany, Made in Germany N . , N o , #

George Borgfeldt distributed dolls with bisque heads by ABG: My Girlie doll mold 1362, Bye-Lo Baby doll molds 1369 and 1373, Bonnie Babe doll mold 1386 & 1393, Pretty Peggy (Grace Corry Rockwell design) 1391, doll mold 1402 (an Averill design), Baby Bo Kaye doll mold 1407, Gladdie doll mold 1410, Aero Baby ou Fly Lo Baby doll mold 1418, Babykins dolls mold 1435. All these dolls are shown on the Borgfeldt page link.

K & K Toy Company - dolls with ABG bisque head molds are marked:

doll mold number (at top of head), Tamanho number (in centimeters), K & K, Made in Germany ou

doll mold número, Germany, K & K, Tamanho número, Thuringia:

doll mold numbers 23 32 38 42 43 50

doll size numbers --- 39 45 56 58 60

All trademarks are respective of their owners and have no affiliation to this website

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German Art: 1930-45 - History

In 1853, Daniel Straub, a miller from Geislingen, joined forces with the Schweizer Brothers to form the "Metallwarenfabrik Straub & Schweizer" in Geislingen. This was the second company to be founded by Straub - previously in 1850, from the nucleus of a small repair workshop, which he had set up to work on the construction of Geislingen's famous railway incline, he had founded the Maschinenfabrik Geislingen. This company was involved mainly in manufacturing mill turbines and traded throughout Europe.
As early as 1862, the young company distinguished itself by winning a gold medal at the World Exhibition in London. In 1866, following the departure of the brothers Louis and Friedrich Schweizer, the company was renamed Straub & Sohn" (Straub & Son). The company showroom, built in 1868 in Berlin, gradually evolved to become the company's first retail outlet. Three years later, the company was already employing 60 workers. By 1880, the number of employees had grown to approximately 200 and the company was already producing 960 different items.
1880 saw the merger between Straub & Sohn and "Ritter & Co.", Esslingen, to form a public limited company under the name of Wurttembergische Metallwarenfabrik. At the time of the merger, Ritter & Co.'s Esslingen factory was already using the electroplating method of silver plating and had the more modern production facilities at its disposal. Straub's company, on the other hand, was the more profitable of the two.

1892 saw the development of a special technique for silver plating cutlery, whereby the silver is distributed in a way that, at the points of the cutlery most exposed to wear and tear, the coating is twice as thick as elsewhere. This process was patented and is still in use today. Known nowadays as 'Perfect Hard Silver plating' the technique remains exclusive to WMF. Under Carl Hugele the company gained international standing. At the turn of the century the factory in Geislingen employed 3,000 workers. By 1910, this number had already grown to 4,000, making WMF the largest company in Wurttemberg at this time. Sales catalogues were printed in twelve languages. Subsidiary companies in London, Warsaw and Vienna opened up export markets. Under the direction of Albert Mayer the WMF studio was influenced by the art nouveau style. The product range was modernized and considerably extended. In 1905 WMF acquired a majority holding of the Cologne company Orivit AG, which manufactured products from "Orivit", a tin alloy. As of 1925, products created by the Contemporary Decorative Products Department (NKA) made their debut on the market. This department was set up under the direction of Hugo Debach in order to establish the name of WMF amongst consumers interested in art and design. This department was responsible for producing the special "Ikora" finish, which has earned an important place in the annals of art history. The "Ikora" brand name referred to a specific method of treating the surface of the metal, by which layers of coating were applied in a partly chemical and partly heat induced process. A host of newly developed hand-finishing techniques enhanced the possibilities for adding decorative flourishes to the products. Despite being mass produced, every item looked as if it had been individually crafted. At the end of the war the company had lost its foreign assets, associated factories and retail outlets. The years following 1945 saw the start of a concerted effort to reconstruct in terms of personnel, organizational structures and technology in the remaining factory sites. The network of retail shops was rebuilt. Very soon, subsidiaries sprang up in the USA, Holland, Canada, Switzerland, Austria and Italy. By 1950, WMF staff numbers had again swelled to 3,000. Silverplated tableware and cutlery accounted for two thirds of WMF's turnover, with shops specialising in clocks and watches, gold and silverware representing the company's main customers. A shift in emphasis occurred at the end of the 1950s and was marked by an increase in the importance of Cromargan cutlery and hollowware. This period saw the creation of classic products, such as designed by Wilhelm Wagenfeld, which still feature in or have been reintroduced into the WMF collection. It also saw an increase in the volume of trade in household and kitchenware items between WMF and specialist retail shops. A number of stemware collections completed the WMF catalogue, followed by the development of an extensive range of products for the hotel and catering industry. By 1960, the Geislingen factory alone employed around 5,800 workers. A shortage of space and manpower at this site led to the setting up of additional branch factories, like the factory in Hayingen and Riedlingen.

ORIVIT 1894-1905 The ORIVIT AG was founded in 1894 as Rheinische Broncegieserei fur Kleinplastiken in Koln-Ehrenfeld by Wilhelm Ferdinand Hubert Schmitz ( 1863-1939 ) From 1896 they began with the making of luxury items the so called ORIVIT metal (89,85% pewter 7,9 % antimony 1,9 % copper 0,12 % silver ) In 1900 the factory changed its name to "ORIVIT AG fur Kunsthandwerkliche Metalwarenfabrikation". In 1901/02 they built a new factory in K ln- Braunfels and began with a revolutionary new press "the Huber Presverfahren" The factory has won several prizes: in Paris the gold medal at the world exhibition of 1900 in Dusseldorf in 1902 at the "Industrial Design Exhibition" and at the exhibition in St Louis (USA) 1904 they won 2 Grand Prix prizes and 1 gold medal. In 1905 the total financial collapse was a fact and the "Wurttembergische Metalwaren Fabrik" (WMF) bought ORIVIT . They produced items with the name ORIVIT until 1914. In 1906 the designs from the "Metalwarenfabrik ORION" became ORIVIT. The founder Georg Friedrich Schmitt (1856-1925 ) of ORION became the director in K ln. The designers of ORIVIT were: Hermann Gradl (1883-1964), Georg Grasegger, Walter Scherf (1875- 1909), Vicor Heinrich Seifert, Johann Cristian Kroner (1838-1911), Georges Charles Couldray

IKORA
Is a production line of WMF realized in 1927 by its NKA - Neue Kunstgewerbliche Abteilung (New Art-Commercial Department) under the direction of Hugo Debach, collector and passionate of Asian Art.
WMF realized under the mark Ikora Edelmetall a wide production of items in geometric style inspired to Art Dec and to Japanese Art in brass and nickel hand-decorated with enamel applied by fusion to the surface of the metal.


Auction Catalogues &ndash digitized

Within its special subject collection Art History the University Library of Heidelberg holds some thousand auction catalogues from various German and international auctioneers.

Within the scope of the project &ldquoArt – Auctions – Provenances. The German Art Trade as Reflected in Auction Catalogues from 1901 to 1929&ldquo, which was carried out from 1st March 2013 to 31th March 2019, auction catalogues published between 1901 and 1929 in Germany, Austria and Switzerland have been identified for the first time. An index of all catalogues forms the basis for further quantitative evaluation, for digitization as well as for making them available online free of charge. The auctions catalogues are the foundation for research on art-trade in the first third of the 20th century, on queries regarding collectors, on the development of taste as well as on single artists and genres. Moreover, they provide an ideal tool for research on provenances. The auction catalogues are scattered over numerous art and museum libraries.

Refined search functions including a full text search have improved the accessibility to material which up until now has been difficult to access. The Kunstbibliothek der Staatlichen Museen zu Berlin is a partner in this project which is financially supported by the German Research Foundation (DFG). Until June 2018 6,200 catalogues have been made available online.


German Expressionism

Assorted References

The German Expressionists, for instance, developed especially emphatic forms of drawing with powerful delineation and forcible and hyperbolic formal description notable examples are the works of Ernst Barlach, Käthe Kollwitz, Alfred Kubin, Ernest Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Max Beckmann, and George Grosz

…can be traced to the German Expressionist cinema of the silent era. Robert Wiene’s Das Kabinett des Doktor Caligari (1920 The Cabinet of Dr. Caligari) contains one of the best early examples of the lighting techniques used to inspire the genre. Wiene used visual elements to help define the title…

German Modernism emerged from turn-of-the-century Aestheticism. Like European Modernism as a whole, German Modernism was in fact a cluster of different literary movements, including Expressionism, Neue Sachlichkeit (“New Objectivity”), and Dada. Of these, Expressionism is the best known and most important. Beginning about 1910…

…films, which were influenced by German Expressionist cinema, the effect of horror was usually created by means of a macabre atmosphere and theme The Student of Prague (1913), an early German film dealing with a dual personality, and The Golem (1915), based on the medieval Jewish legend of a clay…

…to the movement known as German Expressionism. The films of this movement were completely studio-made and often used distorted sets and lighting effects to create a highly subjective mood. They were primarily films of fantasy and terror that employed horrific plots to express the theme of the soul in search…

…extremely varied school of Paris, German Expressionism was quite homogeneous and also much less international. The Expressionists were not united by an aesthetic theory but by their human attitudes and spiritual aspirations. Nearly all of them were active in printmaking, and, although they worked in every contemporary graphic medium, the…

…the first film in the German Expressionist movement.

…an artistic approach known as Expressionism they were interested in depicting their emotional responses to reality rather than reality itself. In music the rejection of tonality by composers such as Arnold Schoenberg, Anton von Webern, and Alban Berg broke a centuries-old tradition. At the juncture between popular and serious music,…

…an important medium to the German Expressionists, who, inspired by the vitality of medieval woodcuts, gouged and roughly hewed the wood to achieve a brutal effect. In the United States, woodcuts gained importance in the 1920s and ’30s through the illustrations of Rockwell Kent and artists working in the Works…

Contribution by

), German Expressionist painter and printmaker whose works are notable for the boldness and power of their symbolic commentary on the tragic events of the 20th century.

…have often been described as Expressionist. Despite such seeming similarities, Corinth opposed the rise of Expressionism by excluding its artists from Secession exhibitions. He later grew to accept Expressionism’s merits, however, and embraced its intensely emotional approach in his own work. In 1911 Corinth suffered a stroke which left him…

…Dresden, marked the beginning of German Expressionism. From this date until 1913, regular exhibitions were held. (By 1911, however, Die Brücke’s activities had shifted to Berlin, where several of the members were living.) The group also enlisted “honorary members” to whom they issued annual reports and gift portfolios of original…

…last great practitioner of German Expressionism and is often considered to be the foremost artist of social protest in the 20th century. A museum dedicated to Kollwitz’s work opened in Cologne, Germany, in 1985, and a second museum opened in Berlin one year later. The Diary and Letters of Kaethe…

…not involved in the German Expressionist movement, the emotionalism and elongated features of his sculptures have led critics and historians to associate Lehmbruck with Expressionism.

…Rider”), an influential group of Expressionist artists.

…notably the leading proponents of German Expressionism. Perhaps his most direct formal influence on subsequent art can be seen in the area of the woodcut. His most profound legacy to modern art, however, lay particularly in his sense of art’s purpose to address universal aspects of human experience. Munch was…


How the world loved the swastika - until Hitler stole it

In the Western world the swastika is synonymous with fascism, but it goes back thousands of years and has been used as a symbol of good fortune in almost every culture in the world. As more evidence emerges of its long pre-Nazi history in Europe, can this ancient sign ever shake off its evil associations?

In the ancient Indian language of Sanskrit, swastika means "well-being". The symbol has been used by Hindus, Buddhists and Jains for millennia and is commonly assumed to be an Indian sign.

Early Western travellers to Asia were inspired by its positive and ancient associations and started using it back home. By the beginning of the 20th Century there was a huge fad for the swastika as a benign good luck symbol.

In his book The Swastika: Symbol Beyond Redemption? US graphic design writer Steven Heller shows how it was enthusiastically adopted in the West as an architectural motif, on advertising and product design.

"Coca-Cola used it. Carlsberg used it on their beer bottles. The Boy Scouts adopted it and the Girls' Club of America called their magazine Swastika. They would even send out swastika badges to their young readers as a prize for selling copies of the magazine," he says.

It was used by American military units during World War One and it could be seen on RAF planes as late as 1939. Most of these benign uses came to a halt in the 1930s as the Nazis rose to power in Germany.

The Nazi use of the swastika stems from the work of 19th Century German scholars translating old Indian texts, who noticed similarities between their own language and Sanskrit. They concluded that Indians and Germans must have had a shared ancestry and imagined a race of white god-like warriors they called Aryans.

This idea was seized upon by anti-Semitic nationalist groups who appropriated the swastika as an Aryan symbol to boost a sense of ancient lineage for the Germanic people.

The black straight-armed hakenkreuz (hooked cross) on the distinctive white circle and red background of the Nazi flag would become the most hated symbol of the 20th Century, inextricably linked to the atrocities committed under the Third Reich.

"For the Jewish people the swastika is a symbol of fear, of suppression, and of extermination. It's a symbol that we will never ever be able to change," says 93-year-old Holocaust survivor Freddie Knoller. "If they put the swastika on gravestones or synagogues, it puts a fear into us. Surely it shouldn't happen again."

The swastika was banned in Germany at the end of the war and Germany tried unsuccessfully to introduce an EU-wide ban in 2007.

The irony is that the swastika is more European in origin than most people realise. Archaeological finds have long demonstrated that the swastika is a very old symbol, but ancient examples are by no means limited to India. It was used by the Ancient Greeks, Celts, and Anglo-Saxons and some of the oldest examples have been found in Eastern Europe, from the Baltic to the Balkans .

If you want to see just how deeply rooted the swastika pattern is in Europe, a good place to start is Kiev where the National Museum of the History of Ukraine has an impressive range of exhibits.

Among the museum's most highly prized treasures is a small ivory figurine of a female bird. Made from the tusk of a mammoth, it was found in 1908 at the Palaeolithic settlement of Mezin near the Russian border.

On the torso of the bird is engraved an intricate meander pattern of joined up swastikas. It's the oldest identified swastika pattern in the world and has been radio carbon-dated to an astonishing 15,000 years ago. The bird was found with a number of phallic objects which supports the idea that the swastika pattern was used as a fertility symbol.

In 1965 a palaeontologist called Valentina Bibikova discovered that the swastika meander pattern on the bird is very similar to the naturally occurring pattern visible on a cross-section of ivory. Could it be that the Palaeolithic makers of the figurine were simply reflecting what they saw in nature - the huge mammoth they associated with well-being and fertility?

Single swastikas began to appear in the Neolithic Vinca culture across south-eastern Europe around 7,000 years ago. But it's in the Bronze Age that they became more widespread across the whole of Europe. In the Museum's collection there are clay pots with single swastikas encircling their upper half which date back to around 4,000 years ago. When the Nazis occupied Kiev in World War Two they were so convinced that these pots were evidence of their own Aryan ancestors that they took them back to Germany. (They were returned after the war.)

In the Museum's Grecian collection, the swastika is visible as the architectural ornament which has come to be known as the Greek key pattern, widely used on tiles and textiles to this day.

The Ancient Greeks also used single swastika motifs to decorate their pots and vases. One fragment in the collection from around 7th Century BCE shows a swastika with limbs like unfurling tendrils painted under the belly of a goat.

Perhaps the most surprising exhibit in the museum is of fragile textile fragments that have survived from the 12th Century AD. They are believed to belong to the dress collar of a Slav princess, embroidered with gold crosses and swastikas to ward off evil.

The swastika remained a popular embroidery motif in Eastern Europe and Russia right up to World War Two. A Russian author called Pavel Kutenkov has identified nearly 200 variations across the region. But the hakenkreuz remains a highly charged symbol. In 1941 Kiev was the site of one of the worst Nazi mass murders of the Holocaust when nearly 34,000 Jews were rounded up and killed at the ravine of Babi Yar.

In Western Europe the use of indigenous ancient swastikas petered out long before the modern era but examples can be found in many places such as the famous Bronze Age Swastika Stone on Ilkley Moor in Yorkshire.

Some people think this long history can help revive the symbol in Europe as something positive. Peter Madsen, owner of an upmarket tattoo parlour in Copenhagen says the swastika is an element of Norse mythology that holds a strong appeal to many Scandinavians. He is one of the founders of last year's Learn to Love the Swastika Day on 13 November, when tattoo artists around the world offered free swastikas, to raise awareness of the symbol's long multicultural past.

"The swastika is a symbol of love and Hitler abused it. We're not trying to reclaim the hakenkreuz. That would be impossible. Nor is it something we want people to forget," he says.

"We just want people to know that the swastika comes in many other forms, none of which have ever been used for anything bad. We are also trying to show the right-wing fascists that it's wrong to use this symbol. If we can educate the public about the true meanings of the swastika, maybe we can take it away from the fascists."

But for those like Freddie Knoller who have experienced the horrors of fascism, the prospect of learning to love the swastika is not so easy.

"For the people who went through the Holocaust, we will always remember what the swastika was like in our life - a symbol of pure evil," he says.

"We didn't know how the symbol dates back so many thousands of years ago. But I think it's interesting for people to learn that the swastika was not always the symbol of fascism."

Pictures of the US Army biplane, of pre-war products from the US, and the Brooklyn Academy of Music are from the collection of Steven Heller.

Mukti Jain Campion is the producer and presenter of Reclaiming the Swastika on BBC Radio 4 at 11:00 on Friday 24 October - and on the BBC iPlayer for 30 days after broadcast.

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Assista o vídeo: Sydfynske Kunstnere-- the movie


Comentários:

  1. Micah

    Parece-me, você não está certo

  2. Joseph Harlin

    parabenizo, uma ideia brilhante

  3. Crosley

    Bom site, gostei especialmente do design

  4. Month

    É uma pena que eu não possa falar agora - estou muito ocupado. Voltarei - definitivamente vou expressar minha opinião sobre esse assunto.

  5. Morn

    Entre vamos falar.

  6. Abdul-Tawwab

    Sim, mais rápido se ela já saiu !!



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