Escrivaninhas romanas e laca

Escrivaninhas romanas e laca


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Estive assistindo ao artigo da Netflix sobre a Roma Antiga e notei uma mesa lindamente laqueada que achei que talvez não fosse precisa para a época. Alguém tem informações sobre o uso de laca em seus móveis?


Escrivaninhas romanas e laca - História

Aos 19 anos, tornou-se aluno em tempo integral de Najeon Chilgi, com sua
pai como seu professor e mentor. Ele não queria apenas ajudar seu pai, uma velha fábrica
trabalhador, aliviar o fardo de sustentar toda a família, mas também ele foi atraído por seu
visão do pai de que Najeon Chilgi era tão valioso quanto qualquer arte ensinada na faculdade. Mas acima de tudo, ele
não queria que o legado da arte da laca morresse com seu pai. Um aluno dedicado, Song passou seu
20 anos aprendendo as habilidades e técnicas de seu pai, sacrificando sua vida social pela arte e por sua família.

A dolorosa década de aprendizado começou a dar frutos à medida que sua reputação crescia junto com sua renda. Neste ponto,
ele decidiu elevar o nível de seu trabalho com laca para madeira, passando da produção de utensílios domésticos para a criação de arte em laca. Outro aprendizado
processo se seguiu, durante o qual ele fez extensas viagens a museus e galerias de todo o país para aprender com a sobrevivência
obras-primas de Najeon Chilgi. Ele também leu inúmeros livros de arte para estudar as formas, cores, padrões e técnicas,
e fez várias experiências em sua oficina de laca de madeira para criar seu próprio estilo. Seus 30 anos foram gastos dessa forma.

Najeon Chilgi é muitas vezes chamada de arte abrangente, pois envolve uma série de artesanatos, incluindo trabalhos em madeira e metal,
além de fazer tiras de madrepérola. Portanto, um artesão deve passar muitos anos estudando Najeon Chilgi
bem como ser proficiente em muitos outros ofícios diferentes. Quando Song Bang-ung tinha 40 anos, ele começou a entrar no mercado nacional
mostras e competições de artesanato e ganhou reputação nacional como artesão exemplar. Ele recebeu vários prêmios
e prêmios, incluindo o Prêmio do Presidente, a maior honra que qualquer artista pode receber em uma competição nacional de artes e ofícios
na Coreia. No entanto, seu prêmio mais especial foi o Prêmio do Ministro da Cultura no National Folk Craft Show de 1981
foi o ano em que seu pai faleceu e ele sentiu que o prêmio homenageou o homem que lhe ensinou tudo o que sabia. Em 1990,
sua realização artística de 40 anos foi oficialmente reconhecida quando o governo coreano homenageou
ele para suceder seu pai como um mestre artesão de Najeon Chilgi (Kkeuneumjil), e listou sua arte
como 'Propriedade Cultural Intangível Importante No. 10.'

Hoje, seu amor por Najeon Chilgi aprofunda à medida que ele gasta mais tempo e energia desenvolvendo
a arte, e ensiná-la aos jovens. Como seu pai, ele acredita na importância de
educação e legando esta maravilhosa arte de laca às gerações futuras.


A arte tradicional coreana de Najeon Chilgi, ou "laca incrustada com madrepérola
designs ”, é frequentemente comparado com artes semelhantes na China e no Japão. Existem, no entanto,
diferenças significantes. Na Coréia, por exemplo, eles usam apenas o forro iridescente do interior
de conchas de abalone após triturar e cortar o forro em tiras finas como papel. Artistas chineses,
por outro lado, use tiras mais grossas de várias conchas para embutir em objetos de madeira, enquanto os artesãos japoneses consideram
a madrepérola incrustada como uma parte subsidiária do Makie Kobako arte. Muitos acreditam Najeon Chilgi é único não só
porque os artesãos coreanos dominaram a técnica para extrair a brilhante iridescência da concha de abalone,
mas também porque eles usaram as cores resplandecentes da madrepérola em toda a sua extensão para criar tais
designs requintados.


Madeiras usadas em peças estilo Hepplewhite

Como os móveis Hepplewhite são caracterizados por folheados e incrustações contrastantes que representam conchas ou campanários, as peças geralmente contêm mais de um tipo de madeira. Para a base, o mogno costumava ser a madeira escolhida, mas o cetim e o bordo também eram populares.

Outras madeiras incluem sicômoro (especialmente comum para os folheados acima mencionados), tulipwood, bétula e jacarandá. Uma vez que aqueles que elaboram essas peças frequentemente usam as madeiras locais disponíveis, as versões americanas dos designs de Hepplewhite podem ser feitas de freixo ou pinho também.


Laca

Existem muitos tipos de laca que têm sido usados ​​em acabamentos de madeira. Existem séculos de longas histórias em artigos de laca esculpida nos países asiáticos. Muitas das peças de cerâmica e madeira ainda povoam os museus hoje.

Existem mais tipos de vernizes comuns para acabamento de madeira usados ​​atualmente: pré-catalisados ​​e nitrocelulose. Eles são mais duráveis ​​e duradouros do que outros acabamentos de goma-laca ou cera. As lacas nitrocelulósicas são produzidas a partir da polpa de madeira para o seu nitrato de celulose (o principal ingrediente da laca) e são comuns na pintura automotiva. Usamos pré-catalisados, a menos que seu projeto exija o contrário.


Mas e quanto à apropriação cultural?

É tudo sobre as lentes pelas quais vemos o movimento. De uma perspectiva histórica, o fascínio europeu pelo design chinês era simplesmente um interesse pelo romance. & ldquoO fator-chave a se ter em mente sobre a chinoiserie é que ela foi uma sedução do desconhecido, um forte senso de curiosidade durante uma era de poucas viagens àquela distância & rdquo, diz o historiador da moda e da arte decorativa Patrick Michael Hughes, um adjunto professora de estilismo de tecidos no Fashion Institute of Technology.

É um tema encontrado ao longo da história da arte e do design. "Certamente há elementos de apropriação cultural na chinoiserie, mas não mais do que o fascínio do período da Regência pelo Egito, defendido por Napoleão, ou pela adoção consistente dos estilos arquitetônico grego e romano imperial em suas igrejas e tribunais", diz Bertram. & ldquoEm todos esses casos, a intenção não é ridicularizar ou degradar, mas imitar e celebrar uma cultura distante, permitindo que ideias antigas e novas se polinizem em todo o mundo. & rdquo

Mas alguns críticos dos séculos 17 e 18 ridicularizaram a chinoiserie, não apenas por ser um estilo caótico e hedonista, mas também por potencialmente zombar da arte e do design chineses. Esses sentimentos continuam com uma perspectiva contemporânea: é mais fácil para nós agora apontar as preocupações sobre o Ocidente interpretando a & ldquootherness. & Rdquo

& ldquoAcredito que o & lsquoWestern Olhar & rsquo e & lsquoexoticism & rsquo sempre terão seus problemas, enquanto houver humanos estudando arte, design e artes decorativas & rdquo diz Hughes. & ldquoOs termos & lsquosumptuous, & rsquo & lsquodesire, & rsquo & lsquoseduction & rsquo e & lsquopossession da beleza & rsquo não são novas buscas. O que é novo e excitante é a descolonização dentro desses termos e discussões com novos quadros de contexto e pensamento. & Rdquo


Móveis Clássicos Chineses: História

A história inicial da mobília chinesa, registrada em material escavado, pedra gravada e tijolo estampado, revela uma cultura de móveis em nível de tapete. Os antigos chineses ajoelhavam-se ou sentavam-se de pernas cruzadas sobre esteiras tecidas, rodeadas por vários móveis, incluindo mesas baixas, biombos e apoios de braços. Exemplos de móveis de laca escavados do antigo reino de Chu (cerca de 500 aC) demonstram uma estética de minimalismo e simplicidade, e outros são decorados com padrões coloridos exclusivos e apresentam decoração finamente entalhada em relevo e aberturas. A combinação da forma artística com a funcionalidade prática pode ser vista como um fio condutor em toda a longa história do mobiliário chinês.
A evolução para assentos altos foi influenciada por costumes estrangeiros e a migração do budismo. Durante o segundo século DC, registrou-se que o imperador Han Lingdi tinha um fascínio por coisas estrangeiras, incluindo o assento estrangeiro ou "bárbaro" (huchuang) Este termo se referia ao banco dobrável, que naquela época era comumente usado por tribos nômades nas regiões mais remotas do norte e oeste, onde também era usado para montar cavalos. Sendo facilmente transportado sobre o ombro, rapidamente se tornou um assento popular para viajar ou caçar.

Plataformas baixas eram outra forma inicial de mobília para assentos elevados, usados ​​como assentos honoríficos por altos funcionários e dignitários religiosos durante os ritos cerimoniais e de sacrifício. Registros da dinastia Han (206 aC-220 dC) indicam que essas plataformas eram chamadas de ta o relativamente mais longo Chuang era usado tanto para sentar quanto para reclinar.

Com a migração do budismo da Índia para o leste, cadeiras e plataformas elevadas começaram a aparecer com mais frequência como assentos de grandes mestres que aumentavam o status, junto com o costume dos discípulos reunidos sentados em banquinhos. Tamboretes em forma de ampulheta feitos de palha e cestaria também começaram a aparecer durante o período das Dinastias do Norte e do Sul (386-586 DC). Tamboretes de rattan de formato semelhante ainda são encontrados em toda a China moderna.

Durante o período de transição & # 151 do tapete para a cadeira & # 151, as posições de joelhos e pernas cruzadas nas plataformas de assento eram comuns. Além disso, a plataforma elevada também passou a funcionar como uma grande mesa de altura média para refeições.

Na dinastia Tang (618-907 DC), bancos e cadeiras tornaram-se comuns entre a elite e os de posição hierárquica. Protótipos para a cadeira de encosto em manche, bem como a cadeira de encosto redondo, aparecem em pinturas contemporâneas e murais de parede que retratam o modelo com as pernas pendentes e cruzadas.

Nos períodos Song do Norte e do Sul (960-1279), muitos tipos de móveis altos se desenvolveram e eram comumente usados ​​em todos os círculos da vida. Cenas registradas em pinturas contemporâneas, bem como achados arqueológicos, revelam que mesas, cadeiras, banquetas e bancos no estilo de pernas recuadas relacionados à arquitetura foram amplamente usados.

Móveis de perna de canto também são evidenciados nas pinturas Song, embora essa forma mais elegante, com raízes que remontam a Gandhara até a arquitetura grega primitiva, pareça ter sido reservada para a elite e para atividades de significado ritualístico e cerimonial.

Muitos padrões básicos estabelecidos durante as dinastias Song continuaram a amadurecer ao longo dos períodos Yuan e Ming em belas formas bem arredondadas e robustas que foram suavemente acabadas com espessas camadas de laca e finamente detalhadas com decoração pintada. Durante o final dos períodos Ming e início de Qing, móveis de estilo clássico mínimo foram abundantemente produzidos em madeiras tropicais duráveis ​​depois que a proibição das importações foi suspensa em 1567. O uso dessas madeiras duras e densas gerou avanços nas técnicas de marcenaria, permitindo a criação aberta, formas elegantes até então inatingíveis em madeiras mais suaves. A popularidade dessa mobília, que muitas vezes refletia os gostos contidos e elegantes da classe do funcionário escolar, também se espalhou pela ascensão novo-rico classe de comerciante.

Após a queda da corrupta casa governante Ming em 1644, a China floresceu novamente sob o governo benevolente dos primeiros imperadores Qing. Enquanto os primeiros fabricantes de móveis Qing geralmente se apegavam aos padrões clássicos, uma tendência ao refinamento emerge correlacionada àquela que permeou todas as artes decorativas. O fascínio de Qianlong pela antiguidade estimulou a decoração e os estilos arcaísticos de design de móveis. Os móveis no estilo Qing têm formas mais angulares e as superfícies costumam ser decoradas de maneira elaborada.


Materiais e Produção

As lâmpadas de óleo da era romana eram feitas de uma variedade de materiais, incluindo pedra, argila, concha, vidro e metal.

Pedra
Lâmpadas de pedra eram geralmente esculpidas, no entanto, as primeiras lâmpadas de pedra eram simplesmente pedras com depressões naturais.

Argila
Lâmpadas de argila foram fabricadas usando vários métodos. Eles podem ser moldados à mão, lançados com uma roda ou impressos em um molde. Alguns mostram sinais de terem sido feitos usando uma combinação desses métodos. As lâmpadas de barro constituem a maioria das lâmpadas encontradas nos registros arqueológicos.

Copo
Lâmpadas de vidro foram fundidas e, ao contrário das lâmpadas de barro, eram capazes de reter óleo sem o risco de infiltração. Eles também projetavam luz com mais eficiência do que lâmpadas de outros materiais. No entanto, devido à presença de bolhas de ar, o vidro soprado não pode suportar a intensidade de uma chama direta da mesma forma que uma lata de barro ou metal. Como resultado, as lâmpadas de vidro tendiam a quebrar facilmente. Esse pode ser um dos motivos pelos quais eles são encontrados com menos frequência nos registros arqueológicos.

Metal
Lâmpadas de metal eram fundidas ou marteladas em um molde, embora a fundição pareça ter sido o método escolhido. O bronze parece ter sido o metal mais comumente usado, no entanto, lâmpadas de ferro, chumbo, ouro, prata e cobre também foram encontradas. Embora as lâmpadas de metal fossem mais resistentes e, portanto, tivessem uma vida útil mais longa do que as lâmpadas feitas de outros materiais, muitas vezes não sobreviveram até os dias modernos. Isso provavelmente se deve ao fato de que os objetos de metal, especialmente os de metais preciosos como ouro, prata e cobre, muitas vezes eram derretidos e transformados em algo novo.

Combustível e mechas
Além da própria embarcação, as lâmpadas de óleo também requerem algum tipo de combustível, além de um pavio. Os tipos de combustível variam de gordura animal a cera de abelha e vários óleos vegetais, incluindo azeite de oliva, óleo de gergelim e óleo de semente de uva. Acredita-se que o azeite de oliva tenha sido a principal fonte de combustível usada no Mediterrâneo. As mechas eram qualquer tipo de material fibroso, tipicamente linho, papiro ou outras fibras vegetais.


N3051 / NA
Candeeiro romano com material fibroso no orifício do pavio.

Marcas do fabricante
A marca do fabricante é uma palavra ou símbolo normalmente encontrado na base de um artefato. Eles são semelhantes aos logotipos de marcas modernas que aparecem em tudo, desde carros até roupas e produtos alimentícios. Da mesma forma que as marcas são usadas hoje, as marcas do fabricante eram usadas nos tempos antigos para anunciar produtos de um artesão ou oficina específica para compradores em potencial. Hoje, os arqueólogos podem usar as marcas do fabricante para rastrear a origem dos artefatos.


A48936 / 15556
Marca do fabricante de folhas e ramos na base da lâmpada de disco do Império Romano. Essa marca era comum em lâmpadas produzidas no norte da África.


N16113 / 21500
Marca do fabricante FLORENT na base da lâmpada disco do Império Romano. Essa marca era comum em lâmpadas produzidas nas proximidades de Roma.


N25974 / 25036
Marca do fabricante de rodas de oito raios sobre base de lâmpada romana do Levante. Essa marca era comum em lâmpadas produzidas no Levante.

Uma das marcas do fabricante mais prolíficas encontradas nas lâmpadas de óleo romanas era a palavra FORTIS. Esta marca foi tipicamente impressa na base de "Lâmpadas de fábrica" ​​que se originaram no norte da Itália entre 70 DC e 230 DC. "Lâmpadas de fábrica" ​​são lâmpadas que foram produzidas em grande escala, assim como os produtos comerciais são hoje, e depois exportadas para todo o mundo o Mediterrâneo e o Império Romano.


A53909 / 19612
Marca do fabricante FORTIS com base na reprodução da "lâmpada de fábrica" ​​romana. Essa marca era comum em “lâmpadas de fábrica” produzidas no norte da Itália.


Conhecido por: Confiante, estilo italiano com uma inclinação para o maximalismo do século 20

Sofás requintados com tufos de canais, abajures metálicos esculturais e mesas de jantar delicadamente decoradas com painéis de vidro decorativos - nada mal para uma marca italiana que começou como uma pequena oficina de cerâmica. Marioni, a primeira na nossa lista de marcas de móveis italianas, percorreu um longo caminho nas últimas cinco décadas (foi fundada em 1966) e, embora a sua marca possa não ser tão conhecida como o estilo de designer que evoca, as suas peças não são menos impressionantes.

Suas tendências maximalistas (basta olhar para sua coleção Notorious brilhantemente chamada) mostram uma confiança em suas habilidades, bem como uma apreciação do movimento do modernismo, para o qual a Itália contribuiu enormemente. Móveis de mármore com listras monocromáticas lembram o Movimento Memphis, elementos metálicos que remetem à arquitetura de Carlo Scarpa e cadeiras giratórias no estilo Milo Baughmann completam a coleção. O design italiano tradicional caracteriza o resto da sua gama, mas são estas peças de referência que realmente inspiram.


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Spurius Tadius também era conhecido como Ludius ou Studius. Ele era famoso pelos murais que pintou durante o período augustano. Os principais temas de seus murais eram paisagens, e suas obras mais famosas eram paisagens de vilas e portos.

Embora a pintura não fosse totalmente apreciada no início da antiga era romana, foi muito apreciada em eras posteriores. Devido a muitas circunstâncias infelizes, muitas pinturas foram destruídas e muitos pintores romanos talentosos permaneceram desconhecidos.

Muitas das pinturas romanas mais conhecidas foram penduradas nas casas de Pompéia, mas elas tiveram um fim terrível. A erupção do Monte Vesúvio tragicamente matou milhares de cidadãos de Pompéia, e muitas obras de arte também foram destruídas. Tudo o que resta são meros registros e descrições das pinturas que uma vez adornaram as casas de Pompéia.

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Tenho pinturas feitas em 1968 em Roma. Quero saber mais sobre a história dessas pinturas, mas não consigo decifrar o nome do artista. Alguma sugestão?


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Comentários:

  1. Kalmaran

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  2. Braiden

    Ela deve dizer-lhe o caminho errado.

  3. Vandyke

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  4. Shadwell

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